Хорошевская Ольга Анатольевна, преподаватель фортепианного отделения МБУ ДО Детской школы искусств № 8
Изучение классических произведений на синтезаторе
Приступая к�аранжировке классической пьесы с�выраженным национальным колоритом (например, �Итальянская песенка� из��Детского альбома� П.�И.�Чайковского), следует изучить стилевые особенности ее музыки, ее инструментарий, познакомиться со�стилем bell canto. Анализируем музыкальный язык пьесы Чайковского и�отмечаем кантиленность, идущую от�традиций bell canto, мягкий вальсовый ритм, вызывающий ассоциации с�покачиванием лодки на�волнах. Анализируем фактуру сопровождения и�находим подражание игре на�гитаре. В�аранжировке пьесы мы учитываем эти особенности, подбираем стиль (Waltz), прописываем подголоски и�назначаем инструменты для�основных партий и�дополнительных линий: gitar, pizz.strings, flute, harp. Вместо традиционной мандолины мы использовали тембр Pi-pa, что�подчеркивает �игрушечный� характер образов и�уводит нас в�мир детства.
� � � � ��Одна из главных проблем любого аранжировщика – неважно, опытного или начинающего –�сложность взглянуть на свою работу �незамыленным�, свежим взглядом. Вернее, ухом. Мы придумываем партию, доводим ее до состояния идеала на наш взгляд, а затем начинаем придумывать что-то еще. А первая партия крутится, крутится, крутится, и со временем мы к ней так привыкаем, что начинаем забывать, что она есть. Придумываем еще и еще партии. И к каждой из них привыкаем. И все нам кажется, что аранжировка звучит бедно, что наше мастерство так и не раскрыто, мы можем круче, интересней, масштабнее! И никто не оценит нашей гениальности, если мы не добавим еще один инструмент вот сюда и еще два-три вот сюда.�
� � � ��Принцип контрастности�лежит в основе любого вида искусства. Живопись, литература, музыка, кино – везде есть�контрастные линии. Натюрморт – яркие фрукты на монотонном фоне. В фильмах и в романах – положительные и отрицательные герои, лирика и острота сюжета. Так и в музыке – про контрасты нельзя забывать.
� � � � ���Принцип развития. Не стоит забывать про�Золотое Сечение, принципы которого наиболее четко сформулировал еще�Леонардо да Винчи. Чтобы понять, как принцип золотого сечения реализуется в музыке – необязательно изучать творчество да Винчи (хотя, с точки зрения всесторонней развитости – весьма полезно). Достаточно понять, что эта самая точка находится примерно в третьей четверти вашей аранжировки. Примерно к этому моменту вы должны сделать все, чтобы подвести развитие к апогею. Именно в этой части чаще всего наступает�кульминация,�за которой следует спад длительностью примерно в четверть произведения.
�������� Также не следует забывать про постепенное�развитие�от куплета к куплету. Причем развитие – это совсем не обязательно уплотнение ткани или добавление других инструментов. Иногда развитие может быть почти незаметным. Допустим, можно добавить одну барабанную сбивку, или добавить delay, или ревербератор, или разовый спецэффект. В общем – сделать какой-то шаг с места.
�Применение шаблонов. Часто аранжировщики применяют �голое� фортепиано или гитару в качестве аккомпанемента в первом куплете, добавляют бас и барабаны во втором, гитару с овердрайвом или синтезаторы в припеве, и так далее. Это тоже своего рода шаблон, но это, если можно так сказать, классика, а классика, как известно, не устаревает. Правда, это не значит, что каждая аранжировка должна строиться именно так. У замечательного преподавателя и композитора Медюляновой Полины Викторовны есть отличная фраза: �Когда композитору нечего сказать, он использует хроматическую гамму или уменьшенный септаккорд�. В этой фразе сосредоточены вкус и музыкальная мудрость. И, конечно, она подразумевает не только сами по себе примитивные средства выразительности, каковыми являются перечисленные элементы, но и множество других шаблонных �примочек�.